Categoria: Arte e seus mestres.

Obras de Frederic Leighton

Frederic Leighton

Frederic Leighton
Nome nativo Frederic Leighton
Nascimento 3 de dezembrode 1830
Scarborough
Morte 25 de janeiro de 1896 (65 anos)
Londres
Cidadania Reino Unido da Grã-Bretanha e Irlanda
Alma mater Academia das Artes de Berlim
Ocupação pintor, escultor, político
Prêmios Prix de Rome, Medalha de Ouro do RIBA, Ordem do Mérito para as Artes e Ciência
Magnum opus Sol ardente de junho (ou Junho flamejante)
Movimento estético Irmandade Pré-Rafaelita, movimento estético
Título Barão
Assinatura
Leighton, Frederic - Autograph.jpg

Frederic Leighton, 1.º Barão Leighton, (Scarborough, 3 de dezembro de 1830 – Londres, 25 de janeiro de 1896) foi um pintor e escultor da Inglaterra.

Estudou na University College School em Londres, e foi buscar aperfeiçoamento no continente, com Eduard von Steinle, Giovanni Costa e na Academia de Florença. Mais tarde passou alguns anos em Paris, encontrando Ingres, Delacroix, Corot e Millet. Voltou a Londres em 1860, passando a fazer parte do grupo dos Pré-Rafaelitas, em 1864 ingressou na Royal Academy, e desde então se tornou um artista celebrado.

Foi o detentor do mais breve pariato inglês, falecendo apenas um dia após ser sagrado Barão, embora já fosse um baronete desde 1886. Sua casa hoje é um museu. Também foi membro do Institute de France e recebeu a Legião de Honra no grau de cavaleiro.

 

Ben Nicholson – outra versão.

Ben Nicholson
Ben Nicholson por Mabel Pryde.jpg

Retrato de Ben Nicholson por Mabel Pryde , por volta de 1910-14
Nascimento Benjamin Lauder Nicholson 10 de abril de 1894 Oito Sinos,Denham , Buckinghamshire , Inglaterra
Morte 6 de fevereiro de 1982 (com idade entre 87) 
Hampstead , Londres , Inglaterra
Nacionalidade britânico
Educação The Slade
Conhecido por Pintura
Cônjuge (s) Winifred Roberts (1920-38; divorciada) 
Barbara Hepworth (1938-51; divorciada) 
Felicitas Vogler (1957-77; divorciada)
Prêmios OM

1934 (alívio) , Tate Modern , Londres

Benjamin Lauder Nicholson , OM (10 de abril de 1894 – 6 de fevereiro de 1982) foi um pintor inglês de composições abstratas (às vezes em baixo relevo), paisagens e naturezas-mortas.

Nicholson nasceu em 10 de abril de 1894 em Denham, Buckinghamshire , filho dos pintores Sir William Nicholson e Mabel Pryde  e irmão da artista Nancy Nicholson , do arquiteto Christopher Nicholson e de Anthony Nicholson. Sua avó materna Barbara Pryde (née Lauder) era sobrinha dos famosos irmãos artistas Robert Scott Lauder e James Eckford Lauder. A família mudou-se para Londres em 1896. Nicholson foi educado na Tyttenhangar Lodge Preparatory School, em Seaford, em Heddon Court, Hampstead e depois como pensionista na Gresham’s School , em Holt, Norfolk.. Ele estudou como artista em Londres na Slade School of Fine Art entre 1910 e 1911, onde foi contemporâneo de Paul Nash , Stanley Spencer , Mark Gertler e Edward Wadsworth . De acordo com Nash, com quem ele formou uma amizade íntima, Nicholson passou mais tempo durante seu ano no Slade jogando bilhar do que pintando ou desenhando, uma vez que a formalidade abstrata do feltro verde e as relações em constante mudança das bolas eram, ele alegou mais tarde , de mais apelo ao seu sentido estético. 

Nicholson foi casado três vezes. Seu primeiro casamento foi com a pintora Winifred Roberts; aconteceu em 5 de novembro de 1920 na Igreja St. Martin-in-the-Fields, em Londres. Nicholson e Winifred tiveram três filhos: um filho, Jake, em junho de 1927; uma filha, Kate (que mais tarde também se tornou pintora), em julho de 1929; e um filho, Andrew, em setembro de 1931. Eles se divorciaram em 1938. Seu segundo casamento foi com a também artista Barbara Hepworth em 17 de novembro de 1938, no escritório de registro de Hampstead. Nicholson e Hepworth tiveram trigêmeos, duas filhas, Sarah e Rachel, e um filho, Simon, em 1934. Eles se divorciaram em 1951. O terceiro e último casamento foi com Felicitas Vogler., uma fotógrafa alemã. Eles se casaram em julho de 1957 e se divorciaram em 1977.

Vida e obras

Placa azul da herança inglesa em 2B Pilgrims Lane, Hampstead.

Seu primeiro trabalho notável foi a sequência de um encontro com o dramaturgo JM Barrie em férias em Rustington , Sussex , em 1904. Como resultado dessa reunião, Barrie usou um desenho de Nicholson como base para um pôster para a peça Peter Pan ; seu pai William desenhou alguns dos cenários e figurinos.

Nicholson foi dispensado do serviço militar na Primeira Guerra Mundial devido a asma. Ele viajou para Nova York em 1917 para uma operação em suas amígdalas, depois visitou outras cidades americanas, retornando à Grã-Bretanha em 1918. Antes de retornar, a mãe de Nicholson morreu de gripe em julho, e seu irmão Anthony Nicholson foi morto em ação.

De 1920 a 1933 ele foi casado com a pintora Winifred Nicholson e viveu em Londres. Depois da primeira exposição de obras figurativas de Nicholson em Londres, em 1922, seu trabalho começou a ser influenciado pelo Cubismo Sintético e, mais tarde, pelo estilo primitivo de Rousseau. Em 1926 ele se tornou presidente da Seven and Five Society .

Em Londres, Nicholson conheceu os escultores Barbara Hepworth (com quem ele se casou de 1938 a 1951) e Henry Moore . Em visita a Paris, ele conheceu Mondrian , cujo trabalho no estilo neoplástico foi influenciá-lo em uma direção abstrata, e Picasso , cujo cubismo também encontraria seu caminho em seu trabalho. Seu dom, no entanto, foi a capacidade de incorporar essas tendências européias a um novo estilo que era reconhecidamente seu. Ele visitou pela primeira vez St Ives , Cornwall , em 1928, com o seu colega pintor Christopher Wood , onde conheceu o pescador e pintor, Alfred Wallis.. Em Paris, em 1933, ele fez seu primeiro relevo em madeira, White Relief , que continha apenas ângulos retos e círculos. Em 1937, ele foi um dos editores do Circle , uma monografia influente sobre o construtivismo . Ele acreditava que a arte abstrata deveria ser apreciada pelo público em geral, como mostra o Nicholson Wall, um mural que ele criou para o jardim de Sutton Place, em Guildford , Surrey . Nicholson mudou-se para St Ives em 1939, vivendo em Trezion, Salubrious Place, por 19 anos. Em 1943 ele se juntou à Sociedade de Artistas de St Ives .

Ele ganhou o prestigioso Prêmio Carnegie em 1952 e em 1955 uma exposição retrospectiva de sua obra foi mostrada na Tate Gallery em Londres. Em 1956, ganhou o primeiro prêmio de pintura da Guggenheim International e, em 1957, o prêmio internacional de pintura na Bienal de Arte de São Paulo . 

Nicholson casou com a fotógrafa Felicitas Vogler em 1957 e mudou-se para Castagnola , na Suíça, em 1958. Em 1968 ele recebeu a Ordem Britânica do Mérito (OM). Em 1971 ele se separou de Vogler e se mudou para Cambridge . Em 1977 eles se divorciaram.

A última casa de Nicholson foi em Pilgrim’s Lane, em Hampstead . Ele morreu lá em 6 de fevereiro de 1982 e foi cremado no Golders Green Crematório em 12 de fevereiro de 1982. 

Algumas das obras de Nicholson podem ser vistas na Tate Gallery, na Tate St Ives , na Kettle’s Yard Art Gallery em Cambridge , no The Hepworth Wakefield e no Pier Arts Centre em Stromness , Orkney. Um recorde de leilão para este artista de US $ 1.650.500 foi definido na Christie’s , Nova York, para setembro 53 (Balearic) , um óleo e lápis sobre tela, em 1 de novembro de 2011. Sua pintura violino e guitarra espanhola , em óleo e cascalho em masonite , foi vendida por € 3.313.000 pela Christie’s em Paris, em 27 de setembro de 2012. 

Referências

 

Ben Nicholson

Ben Nicholson fotografado por Paolo Monti en 1960 en Brissago, Suíça.

Atelier de Ben Nicholson. Foto por Paolo Monti.

Nicholson que era filho do pintor Sir William Nicholson. A partir dos anos vinte do século XX, passou a assinar as suas obras com o nome Ben Nicholson em vez do seu nome de nascimento Benjamin Nicholson.

Educado na Escola Gresham, entre 1910 e 1911 Ben estudou na Slade School of Art. Fez diversas viagens à França e á Itália, com a finalidade de aprender a língua desses países.

Quando rebentou a Primeira Guerra Mundial, Ben teve a sorte de ficar dispensado do serviço militar, por que sofria de asma.

As suas primeiras obras, datadas de 1919, foram naturezas mortas, que revelavam uma influência da obra de seu pai.

Em 1920, casou-se com a pintora Winifred Roberts com quem viveu até 1930, altura em que esse casamento falhou e o artista inicia uma nova relação com a escultora Bárbara Hepworth. Em 1957 volta a casar-se, mas agora com uma fotógrafa de nome Felicitas Vogler.

Em 1934, Ben Nicholson junta-se ao grupo de artistas conhecido por Grupo Unit One.

Durante a Segunda Guerra Mundial, Ben viveu na Cornualha, pintando num exíguo estúdio várias obras sobre o tema paisagens.

Exposições:

Portal A Wikipédia possui o(s) portal(is):
Portal da Arte

Prémios

  • Carnegie (1952)
  • Primeiro prêmio na Bienal de São Paulo (1957)

Obra:

    • 1919 – Caçoilo Azul em Sombra (óleo sobre tela 48,2 cm x 64,7 cm)
  • 1917 – Retrato de Edie (óleo sobre tela 47 cm x 35,6 cm)
  • 1921–1922 – Natureza-morta Villa Capriccio-Castagnola (óleo sobre tela 62 cm x 75 cm)
  • 1921–1923 – Cortivallo, Lugano (oleo e lapis sobre tela 45,7 cm x 61 cm)
  • 1922 – Costa de Espanha (óleo sobre tábua 40,5 cm x 46 cm)
  • 1923 – Dymchurch (óleo sobre tela montada sobre tábua 19 cm x 38,5 cm)
  • 1924 – Primeira Pintura Abstracta, Chelsea (óleo e lápis sobre tela 55,4 cm x 61,2 cm)
  • 1924 – Pintura Abstracta (Andrew) (óleo sobre areia sobre tela 63, 5 cm x 76 cm)
  • 1924 – Truta (óleo sobre tela 56 cm x 58 cm)
  • 1924 – Garrafa e Copo (óleo e lápis sobre tábua 29,1 cm x 44,8 cm)
  • 1924 – Natureza-morta (Garrafa e Copos) (óleo sobre tela 55,5 cm x 76,5 cm)
  • 1925 – Paisagem a Olhar Para o Este do Estúdio de Bankshead (óleo sobre tela 51 cm x 76 cm)
  • 1929 – Maçãs (óleo e lápis sobre tela 43,9 cm x 67,5 cm)
  • 1928 – Pell Creek (óleo gesso e lápis sobre tela 48,5 cm x 61 cm)
  • 1928–1929 – Caixa Pintada (óleo sobre madeira 33 cm x 28 cm x 12,7 cm)
  • 1930 – Noite de Natal (óleo e lápis sobre tela 63,7 cm x 93,7 cm)
  • 1919 – Fogos Artificiais (óleo sobre tábua 130 cm x 46 cm)
  • 1932 – Silhueta-Vermelho venesiano (óleo sobre tela 127 cm x 91,4 cm)
  • 1932 – Au Chat Botte (óleo e lápis sobre tela 92,5 cm x 122 cm)
  • 1932 – Cabeça coroada – A rainha (óleo sobre tela montada sobre tábua 91,4 cm x 120 cm)
  • 1932 – Le Quotidien (óleo sobre tábua forrada 37,5 cm x 46 cm)
  • 1933 – St. Remy, Provença (óleo e lápis sobre tábua 105 cm x 93 cm)
  • 1933 – Composição – Hibiscus (óleo e gesso sobre tela 132 cm x 55,5 cm)
    • 1933 – Guitarra (óleo sobre tela montada sobre tábua. Tela: 83 cm x 10,5 cm. Tábua 89,5 cm x 25 cm )
  • 1933 – Relevo Pintado (óleo sobre tábua trabalhada 44 cm x 29 cm)
  • 1934 – Relevo Pintado (óleo sobre tela talhada 15,5 cm x 16,5 cm)
  • 1934 – Relevo (óleo sobre tela talhada 10 cm x 10 cm)
  • 1934 – Relevo Branco (óleo sobre tábua talhada 54,4 cm x 81 cm)
  • 1936 – Escultura Relevo Branco, Versão I (gesso esculpido 19 cm x 17,2 cm x 11,4 cm)
  • 1937–1938 – Relevo Branco (óleo sobre tábua talhada 64 cm x 126 cm)
  • 1938 – Relevo Branco, Versão I (óleo sobre tábua talhada)
  • 1939 – Relevo Pintado, Versão I (óleo e lápis sobre tábua talhada 83,5 cm x 114,5 cm)
  • 1941 – Relevo Pintado, Versão I (óleo e lápis sobre tábua talhada 66 cm x 140,3 cm)
  • 1934 – Pintura (óleo sobre tela 72 cm x 101 cm)
  • 1934 – Ballet Florentino (óleo e lápis sobre tela 35 cm x 59 cm)
  • 1934–1936 – Pintura natureza-morta (óleo e gesso sobre tela 41 cm x 50,6 cm)
  • 1935 – Pintura (óleo sobre tela)
  • 1935 – Pintura (óleo sobre tela 60 cm x 91 cm)
  • 1931–1936 – Natureza-morta Paisagem Grega (óleo e lápis sobre tela 68,5 cm x 77,5 cm)
  • 1937 – Pintura (óleo sobre tela 50,6 cm x 63,5 cm)
  • 1938 – Pintura Versão I (óleo sobre tela 123,5 cm x 141 cm)
  • 1932–1940 – Natureza-morta (óleo e lápis sobre tela 54 cm x 67 cm)
  • 1944 – Natureza-morta e Paisagem de Cornualha (óleo sobre tábua 78,7 cm x 83,8 cm)
  • 1944 – Três Copos (óleo e lápis sobre tábua 17 cm x 20,8 cm)
  • 1945 – Olho de Papagaio (óleo e lápis sobre tábua talhada 129 cm x 24 cm)
  • 1945 – Dois Círculos (óleo sobre tela montada sobre tábua 46 cm x 48,5 cm)
  • 1947 – Natureza-morta Odisseia I (óleo sobre tela 69 cm x 56 cm)
    • 1945 – Natureza-morta (óleo sobre tela montada sobre tábua 68,5 cm x 68,5 cm)
  • 1947 – Natureza-morta Cortina com Manchas (óleo sobre tábua 59,7 cm x 64 cm)
  • 1949 – Amarelo Venoso (óleo sobre tela )
  • 1949 – Trencrom (óleo e lápis sobre tela 109 cm x 79 cm)
  • 1949 – Rangitane (painel curvado. Óleo sobre tábua 192 cm x 164 cm)
  • 1951 – Natureza-morta Formas Elevadas (lápis, gouache e giz de cores sobre papel 49 cm x 34 cm)
  • 1951 – Ópalo, Magenta e Negro (óleo sobre tela 116 cm x 161 cm)
  • 1952 – Forma de Mesa (óleo sobre tela)
  • 1953 – Contraponto (óleo sobre tábua 167 cm x 121,9 cm)
  • 1953 – Ciclades (óleo e lápis sobre painel curvado 76 cm x 122 cm)
  • 1953 – Baleares (óleo sobre tela 109 cm x 120 cm)
  • 1955 – Fachada Nocturna (óleo sobre tábua 108 cm x 116 cm)
  • 1957 – Trevose Amarelo (óleo e lápis sobre tela 190,5 cm x 68 cm)
  • 1956 – Val D’Orcia (óleo, gesso e lápis sobre tábua 122 cm x 213,5 cm)
  • 1963 – Argos (óleo e lápis sobre tábua talhada e montada sobre madeira)
  • 1964 – Racciano (óleo sobre tábua talhada 138 cm x 79,5 cm)
  • 1966 – Erymanthos (óleo sobre tábua talhada 121,2 cm x 185,4 cm)
  • 1966 – Carnac, Vermelho e Castanho (óleo sobre tábua talhada 101,5 cm x 206 cm)
  • 1967 – Relevo Toscano (óleo sobre tábua talhada 148 cm x 161 cm)
  • 1971 – Golfinho (óleo sobre tábua talhada 166 cm x 67 cm)
  • 1971 – Óbidos, Portugal (óleo sobre tábua talhada 130 cm x 71 cm)

Franz Marc.

Abaixo a biografia.

 

Franz Marc (1880-1916) - Franz Moritz Wilhelm Marc

Ver todas as obras de Franz Marc (1880-1916) – Franz Moritz Wilhelm Marc

Artista Franz Marc (1880-1916) – Franz Moritz Wilhelm Marc
Biografia Franz Moritz Wilhelm Marc.
Pintor alemão, Franz Marc, filho de pintor, nasceu em 1880, em Ried, próximo de Munique, na Baviera. Em 1900, ingressou na Academia de Belas-Artes de Munique onde estudou pintura. Estabeleceu-se em Paris em 1903 e desenvolveu trabalhos que revelam influência tanto do Impressionismo como do movimento do Jugendstil que marcou a sua formação em Munique. Na pintura “Cães Siberianos na Neve”, realizada entre 1909 e 1910, as figuras dos animais parecem fundir-se com o fundo, pela acentuação dos tons de azul e branco, com evidente aproximação à estética impressionista e à obra de Vincent Van Gogh com a qual Marc contactou em 1907.Em 1910, conheceu os pintores August Macke e Wassily Kandinsky e no ano seguinte ingressa na Neue Kunstlervereinigung (Nova Associação de Artistas) de Munique. Nesta altura, juntamente com Kandinsky, fundou o grupo Der Blaue Reiter e tornou-se responsável pela publicação do seu almanaque, desde 1912.Franz Marc entendia a religião como um componente importante do processo criativo e assumia a arte como um meio para representar, de forma quase onírica, a verdade oculta e íntima da realidade. Assim, a sua pintura foi-se gradualmente libertando da referência cromática naturalista ou realista e passou a imprimir à cor uma forte conotação espiritual: vermelho representa a matéria, o azul é o elemento masculino e o amarelo é o elemento feminino.
Nas telas “Grandes Cavalos Azuis”, de 1911, e “Pequenos Cavalos Amarelos”, de 1912, percebe-se a dupla temática presente no seu trabalho: o cavalo, símbolo de força, e a cor intensa e luminosa utilizada como metáfora sexual.
A partir de 1912, o seu trabalho tornou-se mais abstrato, com a adoção dos jogos cromáticos de Robert Delaunay e uma maior complexidade compositiva na relação entre figuras e paisagem através de interseção de formas e diluição de contornos. No ano seguinte, abandonou qualquer referência figurativa realizando a sua primeira tela inteiramente abstrata.Franz Marc foi morto em Verdun em 1916, durante a Primeira Guerra Mundial.
Fonte http://www.infopedia.pt/$franz-marc

Ferdinand Georg Waldmüller

Ferdinand Georg Waldmüller (Viena, 15 de janeiro de 1793 – Hinterbrühl, 23 de agosto de 1865) foi um pintor e escritor austríaco, um dos artistas austríacos mais importantes na primeira metade do século XIX.

Estudou na Academia de Belas-Artes de Viena, e assegurou a sua subsistência financeira pintando retratos. Em 1811 obteve um posto de professor de artes plásticas junto da prole do conde Gyulay, na Croácia. Três anos depois, regressou a Viena e trabalhou o seu estilo copiando as obras dos grandes mestres.

Waldmüller interessou-se progressivamente pela natureza, e dedicou-se à pintura paisagista. Foi neste género que o seu estilo atingiu a maior originalidade: o seu sentido cromático e o seu bom conhecimento da natureza ajudaram-no a executar telas notáveis.

Waldmüller foi também professor na Academia de Belas-Artes de Viena, mas teve regularmente disputas com a elite vienense em virtude das suas críticas ao sistema da instituição, que queria concentrar no estudo da natureza.

Nos seus escritos trata sobre aspectos teóricos das suas concepções da pintura e do desenho e as suas consequências pedagógicas:

Entre os seus retratos mais conhecidos estão os seguintes:

Também fez pinturas com outros temas:

Esta é uma parte do artigo da Wikipedia usado sob licença CC-BY-SA. O texto completo do artigo está aqui →

https://pt.wikipedia.org/wiki/Ferdinand_Georg_Waldmüller 

Less …

FERDINAND GEORG WALDMÜLLER OBRAS DE ARTE

El Greco

Doménikos Theotokópoulos
Δομήνικος Θεοτοκόπουλος

Auto-retrato
Pseudônimo(s) El Greco
Nascimento 5 de outubro de 1541
Heraclião ou Fodele
Morte 7 de abril de 1614 (72 anos)
Toledo
Ocupação pintor, escultor e arquiteto
Magnum opus A Disputa das Vestes de Jesus (El expolio); Abertura do Quinto Selo
Movimentoestético Renascença espanhola(Maneirismo)

Doménikos Theotokópoulos (em grego: Δομήνικος Θεοτοκόπουλος), mais conhecido como El Greco, Heraclião ou Fodele, 5 de outubrode 1541 — Toledo, 7 de abril de 1614) foi um pintor, escultor e arquiteto grego que desenvolveu a maior parte da sua carreira na Espanha. Assinava suas obras com o nome original, ressaltando sua origem.

Nasceu em Creta, que naquela época pertencia à República de Veneza e era um centro artístico pós-bizantino. Treinou ali e tornou-se um mestre dentro dessa tradição artística, antes de viajar, aos vinte e seis anos, para Veneza, como já tinham feito outros artistas gregos. Em 1570 mudou-se para Roma, onde abriu um ateliê e executou algumas séries de trabalhos. Durante sua permanência na Itália, enriqueceu seu estilo com elementos do maneirismo e da renascença veneziana. Mudou-se, finalmente, em 1577 para Toledo, na Espanha, onde viveu e trabalhou até sua morte. Ali, El Greco recebeu diversas encomendas e produziu suas melhores pinturas conhecidas.

O estilo dramático e expressivo de El Greco foi considerado estranho por seus contemporâneos, mas encontrou grande apreciação no século XX, sendo considerado um precursor do expressionismo e do cubismo, ao mesmo tempo em que sua personalidade e trabalhos eram fonte de inspiração a poetas e escritores como Rainer Maria Rilke e Nikos Kazantzakis. El Greco é considerado pelo modernos estudiosos como um artista tão individual que não o consideram como pertencente a nenhuma das escolas convencionais. É mais conhecido por suas figuras tortuosamente alongadas e uso frequente de pigmentação fantástica ou mesmo fantasmagórica, unindo tradições bizantinas com a pintura ocidental.

Em sua época teve somente dois seguidores de seu estilo: o seu filho Jorge Manuel Theotokópoulos e Luis Tristán.

Primeiros anos

A Morte da Virgem (antes de 1567, painel em têmpera e ouro, 61,4 × 45 cm, Catedral da Sagrada Morte da Virgem, Hermópolis, Siros) foi provavelmente pintada perto do final do período cretense do artista. A pintura combina estilos pós-bizantinos e do maneirismo italiano, e elementos iconográficos.

Seu nascimento em 1541 deu-se na vila de Fodele ou de Candia (nome veneziano para Chandax), presentemente chamada Heraclião, em Creta, era descendente de uma próspera família urbana, que provavelmente teria se deslocado de Chania para Candia depois de uma insurreição fracassada contra o domínio veneziano, entre 1526 e 1528. Seu pai, Geórgios Theotokópoulos (morto em 1558), era comerciante e cobrador de impostos. Nada se sabe, porém, sobre sua mãe ou sobre sua primeira esposa, uma grega. Seu irmão mais velho, Manoússos Theotokópoulos (1531 – 13 de dezembro de 1604), foi um comerciante, e passou seus últimos anos de vida na casa de El Greco, em Toledo.

El Greco recebeu seus treinamentos iniciais como pintor de ícones na Escola cretense, o principal centro de arte pós-bizantina. Além da pintura, estudou provavelmente os clássicos da Grécia Antiga, e talvez os clássicos latinos também; quando morreu deixou uma “biblioteca de trabalho” com cerca de 130 volumes, inclusive um exemplar da Bíblia em grego e um Vasari anotado. Candia era então um centro das atividades artísticas onde as culturas ocidental e oriental conviviam harmoniosamente, e cerca de duzentos pintores eram ativos ali, durante o século XVI – inclusive tendo organizado uma guilda de pintores, ao molde corporativo italiano. Em 1563, com a idade de 22 anos, El Greco foi descrito num documento como um “mestre” (“maestro Domenigo”), significando com isso, provavelmente, que já era um membro de guilda e presumivelmente trabalhava em seu próprio estúdio. Três anos depois, em junho de 1566, como testemunha num contrato, ele assinou seu nome como “Mestre Menégos Theotokópoulos, pintor“(μαΐστρος Μένεγος Θεοτοκόπουλος σγουράφος).

Itália

Adoração dos Magos, 1568, Museu Soumaya, Cidade do México

Pertencendo Creta à Sereníssima República de Veneza desde 1211, era natural que o jovem El Greco procurasse continuar sua carreira naquela cidade italiana. Embora o ano exato dessa mudança não seja claro, a maioria dos estudiosos é da opinião que o pintor trasladou-se por volta do ano de 1567. As informações sobre os anos do mestre na Itália são limitados. Morou em Veneza até 1570 e, de acordo com uma carta escrita por seu mais antigo amigo, e maior miniaturista da época, o croata Giulio Clovio, ele seria um “discípulo” de Ticiano, que já estava octogenário mas ainda vigoroso. Isso pode significar que ele trabalhara no estúdio do grande Ticiano, ou não. Clovio caracterizou El Greco como “um grande talento para a pintura”.

O período veneziano

De sua carreira artística, anterior à sua chegada a Veneza, pouco se conhece. Contudo, recentemente foi identificado um dos seus trabalhos, na Igreja de Koimesis tis Theotokou, em Siro.

Em Veneza trabalhou no ateliê do famoso pintor Ticiano e, sem dúvida, conheceu a pintores como Tintoretto, Veronèse e Bassano, bem como a obra dos pintores maneiristas do centro da Itália, entre eles Domenichino, Parmigianino, etc. Entre suas mais conhecidas obras do período veneziano pode se encontrar A cura do cego, onde se percebe a total e solene influência de Ticiano. Quanto à composição de figuras e à utilização do espaço, a influência de Tintoretto é notável.

O período romano

Retrato de Giorgio Giulio Clovio, o mais antigo retrato de El Greco que subsistiu (c. 1570, óleo sobre tela, 58 × 86 cm, Reggia di Capodimonte, Nápoles). No retrato de Clovio, amigo e mecenas do jovem pintor cretense em Roma, a primeira evidência de que El Greco surge como retratista é manifestada.

Em 1570, El Greco mudou-se para Roma, quando executou algumas séries de trabalhos marcados por seu aprendizado veneziano. Não se sabe com precisão quanto tempo durou sua estada ali, mas é certo que retornou a Veneza (c. 1575-76) antes de sua mudança para a Espanha. Em Roma, El Greco hospedou-se no Palazzo Farnese, tornado pelo Cardeal Alessandro Farnese um centro pulsante de vida intelectual e artística da cidade. Ali ele travou contato com a elite pensante romana, incluindo-se o humanista Fulvio Orsini, que mais tarde veio a ter em sua coleção sete pinturas do artista (“Visão do Monte Sinai” e o Retrato de Clovio, entre elas).

Diferente de outros artistas cretenses que foram para Veneza, El Greco alterou substancialmente seu estilo e procurou se distinguir pelas novas e incomuns interpretações dos temas religiosos tradicionais. Sua pinturas italianas apresentam forte influência do Renascimento veneziano do período, com figuras ágeis, alongadas, lembrando a Tintoretto e um vigor cromático que o liga a Ticiano. Dos pintores venezianos aprendeu ainda a composição, organizada em paisagens vibrantes e com luz atmosférica. Clovio informa que visitara o artista quando este ainda se encontrava em Roma. El Greco estava sentado, num quarto pouco iluminado, porque ele acreditava que as sombras conduziam melhor suas ideias que a luz do dia, que perturbavam-lhe a sua “luz interior“.

Como resultado de sua permanência em Roma seus trabalhos foram enriquecidos de elementos como a perspectiva violenta, onde pontos desaparecem ou as figuras surgem em atitudes estranhas, com posturas repetidas e torcidas em gestos tempestuosos – todos elementos do maneirismo.

No tempo em que El Greco passou em Roma, tanto Michelangelo como Rafael já haviam morrido, mas seus exemplos continuavam como influência sobre os jovens pintores. O cretense, entretanto, estava determinado a imprimir sua própria marca e em defender sua própria visão artística, suas ideias e estilo pessoais. Ele poupou Correggio e Parmigianino duma crítica particular, mas não hesitou em desfazer-se de Michelangelo em seu Juízo Final, na Capela Sistina. Chegou a oferecer-se ao Papa Pio V para pintar sobre o trabalho inteiro, consoante o novo e mais rígido pensamento católico. Quando, mais tarde, lhe perguntaram o que achava de Michelangelo, El Greco respondeu que “ele foi um bom homem, mas um mau pintor“ – ficando-se assim diante de um paradoxo: El Greco reagira, condenando, a obra de Michelangelo, mas achava que era impossível resistir à sua influência. A influência de Michelangelo, de fato, pode ser vista em seu trabalho posterior, “Alegoria da Liga Sagrada“. Ao retratar as figuras de Michelangelo, Ticiano, Clovio e, presumivelmente, Rafael, em um dos seus trabalhos (“A Purificação do Templo“), El Greco não apenas expressou sua gratidão mas avançou na pretensão de rivalizar com estes grandes mestres. Como indicam seus próprios comentários, o cretense via em Ticiano, Michelangelo e Rafael exemplos a serem seguidos. Nas suas Crônicas, no século XVII, Giulio Mancini incluiu El Greco dentre os pintores que, de várias formas, haviam iniciado uma reavalição das lições de Michelangelo.

Por causa de suas convicções artísticas pouco convencionais (como por exemplo a reprovação da técnica de Michelangelo) e de sua personalidade, El Greco logo adquiriu inimigos em Roma. O arquiteto e escritor Pirro Ligorio chamou-o de “estrangeiro tolo”, e recentemente foi descoberto em arquivos um material que revela uma dissensão com Farnese, que obrigara o jovem artista a deixar seu palácio. Em 6 de julho de 1572, El Greco se queixou oficialmente deste fato. Alguns meses depois, em 18 de setembro de 1572, pagou suas dívidas para com a Guilda de São Lucas em Roma, com uma miniatura que pintara. No final daquele ano o pintor abriu seu próprio estúdio, e admitiu como seus assistentes os pintores Lattanzio Bonastri de Lucignano e Francisco Preboste.

Entre as principais obras de seu período romano podem encontrar-se a Purificação no Templo e o Retrato de Giulio Clovio, tal como A Piedade. Nesta última obra se percebe claramente a influência de Michelangelo.

O período espanhol

Imigração para Toledo

A Ascensão da Virgem(1577–1579, óleo sobre tela, 401 × 228 cm, Art Institute of Chicago) foi uma das nove pinturas que El Greco realizou para a igreja de São Domingo o Velho em Toledo, sua primeira encomenda na Espanha.

Em 1577, El Greco emigrou primeiro para Madri, e dali foi para Toledo, onde produziu seus trabalhos da maturidade.

Naquela época Toledo era a capital religiosa da Espanha e uma cidade populosa. Dela dizia-se ser um lugar com “um passado ilustre, um próspero presente e um futuro incerto“. Em Roma, El Greco havia conquistado o respeito de alguns intelectuais, mas também enfrentara a hostilidade de certos críticos de arte. Durante a década de 1570 o enorme monastério-palácio de El Escorial ainda estava sendo construído e Filipe II de Espanha enfrentava dificuldades para encontrar bons artistas para executar as muitas pinturas que a obra exigia. Ticiano morrera, e Tintoretto, Veronese e Antônio Mouro recusaram-se todos em ir para a Espanha. Filipe tivera que confiar então no talento menor de Juan Fernándes de Navarrete, cuja gravedad e decoro (seriedade e decoro) foram aprovados pelo rei. Mas este pintor veio a morrer em 1579; o momento parecia ideal para El Greco.

Graças à interseção de Clovio e de Orsini, El Greco conheceu Benito Arias Montano, um humanista espanhol e agente de Filipe; Pedro Chacón, um clérigo; e Luís de Castela, filho de Diego de Castela, deão da Catedral de Toledo. Da amizade com este último El Greco obteve as primeiras encomendas para Toledo. Ali chegou, em julho de 1577, assinando contrato para um grupo de pinturas que se destinavam à ornamentação da Igreja de São Domingo o Velho e para o renomado El Expolio. Em setembro de 1579 ele havia terminado nove pinturas para a São Domingo, dentre as quais A Trindade e A Ascensão da Virgem. Estes trabalhos firmaram a reputação do artista em Toledo.

O pintor não tinha planos de se instalar definitivamente em Toledo, uma vez que seu principal objetivo era atrair as graças de Filipe e conquistar lugar em sua corte. De fato, ele obteve duas importantes encomendas do monarca: a Alegoria da Santa Liga e o Martírio de São Maurício. Mas o rei não gostou destes trabalhos e colocou o retábulo de S. Maurício na sala capitular ao invés de na capela para a qual fora pintada. Ele não fez nenhuma encomenda adicional ao pintor. As razões exatas para o descontentamento real permanecem obscuras. Alguns estudiosos sugerem que Filipe não gostara da inclusão de pessoas vivas nas cenas religiosas retratadas; alguns outros sugerem que El Greco violara uma regra básica da Contra-Reforma, que era a supremacia do conteúdo sobre o estilo. Filipe tinha um interesse especial por sua encomendas, e um gosto muito decidido; uma almejada escultura da Crucifixão por Benvenuto Cellini também desagradara-o, quando chegou, e foi igualmente exilada em local menos evidente. O que acontecera a Federico Zuccari foi ainda pior. Em todo caso, o descontentamento de Filipe terminou com qualquer esperança do patronato real para El Greco.

Maturidade e últimos anos

O Enterro do Conde de Orgaz (1586–1588, óleo sobre tela, 480 × 360 cm, São Tomé, Toledo), é o trabalho mais conhecido de El Greco, ilustra uma popular lenda local. Pintura excepcionalmente grande, é claramente dividida em duas zonas: a superior, divina, e a terrena, abaixo. Entretanto, não há uma linha divisória demarcando esta dualidade, as zonas superior e inferior se confundem na composição.

Sem os favores do rei, El Greco foi obrigado a permanecer em Toledo, onde fora recebido em 1577 como um grande pintor. De acordo com Hortensio Félix Paravicino, um pregador e poeta espanhol do século XVII, “Creta lhe dera a vida e o talento, Toledo foi a melhor pátria, onde a morte lhe permitiu alcançar a vida eterna“. Em 1585 ele parece haver contratado um assistente, o pintor italiano Francisco Preboste, e estabeleceu um estúdio próprio capaz de produzir quadros para altares e estátuas, além das pinturas. Em 12 de março de 1586 obteve a encomenda para O Enterro do Conde de Orgaz, que hoje vem a ser sua obra-prima mais conhecida. A década entre 1597 a 1607 foi o período de maior atividade para El Greco. Durante estes anos recebeu suas maiores encomendas, e seu estúdio criava conjuntos de figuras e esculturas para uma variegada clientela de instituições religiosas. Entre as maiores encomendas desse período estão três altares para a Capela de São José, em Toledo (1597-99); três pinturas (1596-1600) para o Colégio de Doña María de Aragon, no monastério agostiniano de Madri; e o altar-mor, quatro altares laterais e a pintura Santo Idelfonso para a Capela Maior do Hospital de la Caridad de Illescas (1603-05). As minutas da comissão de A Virgem da Imaculada Conceição (1607-13), que era composta pelos membros da municipalidade, descrevem El Greco como “um dos maiores homens neste reino e fora dele“.

Entre 1607 e 1608 El Greco viu-se envolvido numa demorada disputa judicial com as autoridades do Hospital da Caridade de Illescas a respeito do pagamento pelo seu trabalho, que incluía pintura, escultura e projeto arquitetônico. Esta e outras disputas legais contribuíram para as dificuldades econômicas por ele experimentadas no final da vida. Em 1608 recebeu sua última grande encomenda: para o Hospital de São João Batista, em Toledo.

El Greco fez de Toledo seu lar. Contratos sobreviventes mencionam-no como inquilino em 1585 de um complexo de três apartamentos e vinte e quatro quartos que pertenceram ao Marquês de Vilhena. Foi nestes apartamentos, que também lhe serviam como estúdio, que passou o resto de sua vida, enquanto pintava e estudava. Vivia em grande estilo, algumas vezes contratando músicos para tocarem enquanto ceava. Não se pôde confirmar que vivia com a sua companheira espanhola, Jerónima de Las Cuevas, com quem certamente nunca se casou. Ela foi a mãe de seu único filho, Jorge Manuel, nascido em 1578, e que tornou-se também pintor, ajudando ao pai e repetindo-lhe as composições por muitos anos, depois que herdou-lhe o estúdio. Em 1604 Jorge Manuel e Alfonsa de los Morales tiveram o neto de El Greco, Gabriel, que foi batizado por Gregorio Ângulo, governador de Toledo e amigo pessoal do artista.

Durante a execução de uma encomenda para o Hospital Tavera, El Greco caiu gravemente doente, vindo a falecer um mês depois, a 3 de abril de 1614. Poucos dias antes, em 31 de março, havia designado o filho como seu herdeiro. Dois gregos, amigos do pintor, foram as testemunhas de seu testamento (o mestre nunca perdeu o contato com suas origens gregas). Foi sepultado na Igreja de São Domingo o Velho.

Arte do mestre

Técnica e estilo

O primado da imaginação e da intuição sobre o caráter subjetivo de criação foi um princípio fundamental do estilo de El Greco. Ele descartou critérios clássicos como medidas e proporção, acreditando que a graça é o supremo objetivo da arte, mas um pintor somente alcança a graça quando consegue resolver os problemas mais complexos com a obviedade do simples.

“Acredito que a reprodução da cor é a maior dificuldade da arte.”
El Greco (notas do pintor, num dos seus comentários)

O mestre considerava a cor como o elemento mais importante e incontrolável da pintura, e declarou que a cor tinha primazia sobre a forma. Francisco Pacheco del Río, um pintor e teórico que visitara El Greco em 1611, escreveu que o pintor gostava das “cores cruas e sem misturas, em grandes borrões, como uma exibição orgulhosa de sua destreza” e que “ele acredita em constante repintura e retoques ordenados em amplas massas como numa planície da natureza”.

El Expolio (1577–1579, óleo sobre tela, 285 × 173 cm, Sacristia da Catedral de Toledo) é um dos mais famosos retábulos de El Greco. Seus retábulos são conhecidos pela composição dinâmica e inovações surpreendentes.

O historiador de arte Max Dvořák foi o primeiro estudioso a ligar a arte de El Greco com o maneirismo e o antinaturalismo.  Pesquisadores modernos caracterizam teoricamente El Greco como “tipicamente maneirista” e tendo definido suas fontes dentro do neo-platonismo da Renascença. Jonathan Brown acredita que El Greco tentou criar uma forma sofisticada de arte; de acordo com Nicholas Penny, “uma vez na Espanha, El Greco pôde criar seu estilo próprio – começando por repudiar a maioria das ambições descritivas da pintura. Em seus trabalhos da maturidade, o pintor demonstra a característica tendência para dramatizar em vez de descrever. A força da emoção espiritual se transfere da pintura diretamente ao observador. De acordo com Pacheco, sua pintura perturbada, violenta e por vezes aparentemente de execução descuidada era algo devido a acurado estudo para adquirir uma liberdade de estilo. A preferência de El Greco por figuras excepcionalmente altas e esbeltas e composições alongadas, serviam antes aos seus propósitos expressivos e a princípios estéticos, que o levaram a desconsiderar as leis da natureza e alongar suas composições em grandes extensões, particularmente quando eram destinadas aos retábulos de altar. A anatomia do corpo humano torna-se mais transcendente até mesmo nos seus trabalhos da maturidade. Em “A Virgem da Imaculada Conceição” El Greco pediu para que o retábulo fosse ainda mais alongado em 1,5 pé “porque assim a forma ficará perfeita e não reduzida, que é a pior coisa que pode acontecer a uma figura”. Uma inovação significante nos trabalhos maduros do pintor é o entrelaçamento entre forma e espaço; uma relação mútua é desenvolvida completamente entre os dois, de modo a unificar a superfície da pintura. Este entrelaçamento ressurgiria três séculos depois, nas obras de Cézanne e Picasso.

Vista de Toledo (c. 1596–1600, óleo sobre tela, 47,75 × 42,75 cm, Metropolitan Museum of Art, N.Y.) é uma das duas paisagens de Toledo que sobreviveram, pintadas por El Greco.

Outra característica do estilo maduro de El Greco é o uso da luz. Como Jonathan Brown observa, “cada figura parece trazer sua própria iluminação, ou refletir a luz que emana de uma fonte não vista”. Fernando Marias e Agustín Bustamante García, os estudiosos que transcreveram as notas manuscritas de El Greco, estabelecem uma ligação entre o poder que o pintor expressa com a luz às ideias do precedente neo-platonismo cristão.

Estudiosos modernos ressaltam a importância de Toledo para o completo desenvolvimento do estilo maduro de El Greco, e a tensão da habilidade do pintor por ajustar seu estilo conforme seu ambiente. Harold Wethey assevera que “embora grego de nascimento e italiano pela preparação artística, o artista imergiu de tal forma no ambiente religioso de Espanha que tornou-se o principal representante visual do misticismo espanhol”. Ele acredita que os trabalhos da maturidade do mestre têm o “temperamento da intensidade devocional que reflete o espírito religioso do catolicismo espanhol no período da Contra-Reforma”.

El Greco também superou-se como retratista, capaz não apenas de registrar as características dum modelo, mas de expressar também o seu caráter. Seus retratos são menos numerosos que as pinturas religiosas, mas são de qualidade igualmente elevada. Wethey diz que “através de meio tão simples, o artista criou uma caracterização tão memorável que o coloca na mais alta lista como retratista, junto a Ticiano e Rembrandt“.

Afinidades bizantinas

Desde o começo do século XX que os estudiosos debatem se o estilo de El Greco tinha origens bizantinas. Certos historiadores de arte afirmaram que as raízes do pintor estavam fixadas firmemente nas tradições bizantinas, e que a maioria de suas características individuais derivavam diretamente da arte de seus ancestrais, enquanto outros afirmam que a arte bizantina não influiu no trabalho posterior de El Greco.

A descoberta de “Enterro da Virgem” em Siro, um autêntico e assinado trabalho do período cretense do pintor, e a extensa pesquisa de arquivos feita no começo dos anos 1960, contribuíram para reacender e reavaliar estas teorias. Embora siga muitas convenções dos ícones bizantinos, mostra entretanto aspectos de estilo certamente de influência veneziana, e a composição, mostrando a morte de Maria, combina as diferentes doutrinas ortodoxa (Enterro da Virgem) e católica (Ascensão da Virgem). Estudos significativos da segunda metade do século XX dedicados a El Greco reavaliam muitas das interpretações de seu trabalho, enquanto incluem o seu suposto bizantinismo.

Adoração dos Magos(1565–1567, 56 × 62 cm, Museu Benaki, Atenas). O ícone, assinado por El Greco (Χείρ Δομήνιχου, “criado pela mão de Doménicos“), foi pintado em Candia, numa velha arca.

Baseado nas anotações escritas de próprio punho pelo pintor, em seu estilo único, e no fato de que El Greco assinava sempre seu nome em caracteres gregos, vêem uma continuidade orgânica entre a pintura bizantina e sua arte. De acordo com Marina Lambraki-Plaka “longe da influência italiana, num lugar neutro que era intelectualmente semelhante à sua Candia natal, os elementos bizantinos de sua educação emergiram e desempenharam um papel catalítico na nova concepção da imagem que nos é apresentada em seus trabalhos da maturidade”. Apreciando essa questão, Lambraki-Plaka discorda dos professores da Universidade de Oxford, Cyril Mango e Elizabeth Jeffreys, quando afirma que “apesar das afirmações em contrário, o único elemento bizantino nas famosas pinturas dele foram suas assinaturas em alfabeto grego”.  Nikos Hadjinikolaou dispõe, sobre a pintura de 1570 de El Greco, que era “nem bizantina, nem pós-bizantina, mas Ocidental. Os trabalhos que ele produziu na Itália pertencem à história da arte italiana, e aqueles produzidos na Espanha à história da arte espanhola”.

O historiador de arte inglês David Davies busca as raízes do estilo do mestre nas fontes intelectuais de sua educação greco-cristãs e no mundo de suas lembranças sobre os aspectos litúrgicos e cerimoniais da Igreja Ortodoxa. Davies acredita que o clima religioso da Contra-Reforma e a estética do maneirismo agiram como catalisadores para ativar sua técnica individual. Ele afirma que as filosofias do platonismo e do velho neo-platonismo, os trabalhos de Plotino e Pseudo-Dionísio, o Areopagita, os textos dos Pais da Igreja e a liturgia oferecem as chaves para a compreensão do estilo de El Greco.

Resumindo o debate acadêmico sobre o assunto, José Alvarez Lopera, curador do Museu do Prado, em Madri, conclui que a presença de “recordações bizantinas” é óbvia dentro do trabalho da maturidade de El Greco, mas alguns aspectos obscuros de suas origens bizantinas ainda precisam ser esclarecidos.

Arquitetura e escultura

El Greco foi grandemente admirado como arquiteto e escultor, durante sua vida. Ele normalmente realizava a composição completa dos altares, funcionando ao mesmo tempo como arquiteto, escultor e pintor – como, por exemplo, no Hospital da Caridade. Ali ele fez a decoração da capela do hospital, mas o altar de madeira e as esculturas que realizou certamente se perderam. Para o ‘’El Expolio” o mestre projetara um original altar com madeira banhada a ouro, que foi destruído, mas o pequeno grupo de esculturas de “Milagre de Santo Ildefonso” sobreviveu, na parte inferior do quadro.

“Eu não ficaria feliz em ver uma mulher bem proporcional e bonita, não importa sob qual ponto de vista, ainda que extravagante, não apenas perderia sua beleza e ordem, eu diria, quando aumentada em tamanho de acordo com as leis da visão, já não mais apareceria bonita, e , em verdade, seria monstruosa”
El Greco (marginalia inscrita pelo pintor na sua cópia do Vitrúvio)

Sua realização arquitetônica mais importante foi a igreja e Monastério de São Domingo, o Velho, para o qual também executou pinturas e esculturas. El Greco é considerado um artista que incorporou a arquitetura na sua pintura. A ele também são creditadas a arquitetura de quadros de suas próprias pinturas feitas em Toledo. Pacheco o caracterizou como “escritor sobre pintura, escultura e arquitetura”.

Na marginalia que o pintor escreveu em sua cópia da tradução de Daniele Barbaro do Vitrúvio De Architectura, refutou o anexo sobre relíquias arqueológicas, proporções canônicas, perspectiva e matemática. Ele também via a forma indicada pelo Vitrúvio para torcer proporções para compensar a distância do observador como responsável pela criação de formas monstruosas. El Greco era avesso também a muitas regras da arquitetura; ele acreditava acima de tudo na liberdade de criação e defendia a novidade, variedade e complexidade. Estas ideias foram, porém, extremamente distantes daquelas existentes nos círculos arquitetônicos do seu tempo, e não tiveram nenhuma ressonância imediata.

Legado

Crítica póstuma

A Santíssima Trindade(1577–1579, 300 × 178 cm,óleo, Museu do Prado, Madrid, Espanha) faz parte de um grupo de obras criadas para a Igreja de São Domingo o Velho.

El Greco foi desdenhado pela geração imediatamente posterior à sua morte, devido ao fato da sua obra ser oposta, em muitos aspetos, aos princípios do estilo barroco inicial, que surgiu fortemente nos inícios do século XVII e depressa suplantou os últimos traços do maneirismo do século XVI. El Greco foi considerado incompreensível e não tinha seguidores de relevo. Apenas o seu filho e alguns pintores desconhecidos reproduziram algumas fracas cópias de suas obras. Nos fins do século XVIII, comendadores espanhóis elogiaram o seu talento, mas criticaram o seu estilo antinatural e o seu “complexo de iconografia“. Alguns destes comendadores, tais como Acisclo Antonio Palomino de Castro y Velasco e Juan Agustín Ceán Bermúdez descreveram a sua obra como “desprezível”, “ridícula” e “digna de escárnio”. As opiniões de Palomino e Bermúdez eram frequentemente citadas na historiografia espanhola, adornadas com expressões como “estranha”, “esquisita”, “original”, “extravagante” e “ímpar”. A expressão “cheio de excentricidade“, usualmente encontrada em tais textos, com o tempo evoluiu para “loucura”.

Com a ascensão do romantismo, nos finais do século XVIII, a obra de El Greco foi examinada uma vez mais. Para o escritor francês Theophile Gautier, El Greco foi o precursor do romantismo europeu, em todo o seu forte desejo pelo diferente e pelo extremo. Gautier considerava El Greco como o herói romântico ideal (o “dotado”, o “mal entendido”, o “homem”) e foi o primeiro a expressar explicitamente a sua admiração por El Greco. Os críticos de arte franceses, Zacharie Astruc e Paul Lefort, ajudaram a promover uma grande propagação e reavivamento do interesse pela obra do mestre. Na década de 1890 os pintores espanhóis residentes em Paris adotaram-no como seu guia e mentor.

Em 1908, o historiador espanhol Manuel Bartolomé Cossío publicou o primeiro catálogo que abrangia toda a obra de El Greco; no seu livro o cretense foi apresentado como fundador da Escola Espanhola. No mesmo ano, Julius Meier-Graefe, um estudioso do impressionismo francês, viajou à Espanha e grafou as suas experiências no livro de nome The Spanische Reise, o primeiro que estabelece El Greco como um grande pintor do passado. Na obra do cretense Graefe encontrou vislumbres da modernidade. Estas são as palavras que usou para descrever o impacto do pintor nos movimentos artísticos do seu tempo:

Para o artista e crítico inglês Roger Fry, em 1920, El Greco era o arquetípico génio, que faz o que acha ser certo e que “age com completa indiferença para com o efeito que essa expressão poderá ter no público”. Fry descreveu o pintor como um “velho mestre, que não é meramente moderno, mas que atualmente aparece uns bons passos à nossa frente e se vira para trás, para nos indicar o caminho”. Nesse mesmo período outros pesquisadores desenvolveram teorias alternadas, mais radicais. August Goldschmidt e Germán Beritens argumentaram que El Greco pintara figuras humanas alongadas porque tinha problemas visuais (possivelmente astigmatismo progressivo e estrabismo), que o faziam ver os corpos mais alongados do que eram na realidade e de um ângulo perpendicular. O escritor inglês William Somerset Maugham atribuiu o estilo pessoal de El Greco ao fato de o mesmo ser homossexual, e Arturo Perera atribuiu-o ao uso de marijuana.

“Ao escalar o abismo, travessa escorregadia pela chuva
—Quase trezentos anos já passados—
Senti-me apreendido pela mão de Poderoso Amigo
e vi-me, realmente, erguido pelas duas
enormes asas de Doménicos, aos altos céus que desta vez estavam repletos de
laranjeiras e água, falando da pátria.”
–Odysséas Elýtis, Diário de um abril irreconhecível

Michael Kimmelman, um revisor do jornal The New York Times, declarou que “El Greco tornou-se a essência da pintura grega, para os Gregos; para os espanhóis tornou-se a própria essência da espanhola”. Como provado pela campanha encetada pela Galeria Nacional de Arte, em Atenas para aumentar os fundos a fim de realizar a compra de “São Pedro“, em 1995, El Greco é apreciado não só pelos entendidos, mas também pelo público comum; graças às doações maioritariamente individuais e fundações de beneficência públicas, a Galeria Nacional de Arte conseguiu 1,2 milhão de dólares e comprou o quadro. Referindo-se ao consenso geral sobre o impacto de El Greco, Jimmy Carter disse, em abril de 1980, que El Greco foi o mais extraordinário pintor desde a sua época, como nunca mais de viu, e que esteve talvez cerca de três a quatro séculos à frente do seu tempo.

Influência em outros artistas

A Abertura do Quinto Selo(1608–1614, óleo, 225 × 193 cm., New York, Metropolitan Museum) foi sugerida como sendo a fonte primária da inspiração de Les Demoiselles d’ Avignon de Picasso.

A reavaliação de El Greco não se limitou aos estudiosos. De acordo com Efi Foundoulaki “os pintores e os teóricos do século XX descobriram um novo El Greco, mas durante o processo também descobriram e reavaliaram a si próprios”. A sua expressividade e cores influenciaram Eugène Delacroix e Édouard Manet. Para o grupo Der Blaue Reiter, em Munique, 1912, El Greco tipificou a construção mística interior, que era o que a sua geração tinha de descobrir, como tarefa. O primeiro pintor que parece ter notado o código estrutural na morfologia estrutural de El Greco foi Paul Cézanne, um dos precursores do cubismo. Análises morfológicas comparativas dos dois pintores revelaram os seus elementos comuns, como a distorção do corpo humano, os avermelhados (em aparência, apenas), fundos inacabados e similaridades na renderização do espaço. De acordo com Brown, “Cézanne e El Greco são irmãos espirituais, apesar dos séculos que os separam”. Fry observou que Cézanne desenhou “através de sua grande descoberta da permeação de cada  parte do desenho com um tema plástico uniforme e contínuo”.

Os simbolistas e Pablo Picasso, durante o período azul, desenharam na tonalidade fria de El Greco, usando a anatomia das suas figuras ascéticas. Enquanto Picasso trabalhava em Les Demoiselles d’Avignon, visitou um seu amigo, Ignacio Zuloaga, no seu estúdio em Paris, e estudou a Abertura do Quinto Selo (em posse de Zuloaga desde 1897). A relação entre o quadro de Picasso e o de El Greco foi notada nos primeiros anos da década de 1980, quando as similaridades estilísticas e o relacionamento entre os motivos das suas obras foram analisados.

“Em todos os casos, apenas a execução conta. Deste ponto de vista, é correto dizer que o cubismo tem origem espanhola e que eu inventei o Cubismo. Precisamos procurar a influência espanhola em Cézanne. As coisas, por si só, precisam disso, a influência de El Greco nelas. Mas a sua estrutura é cubista.”
Picasso falando sobre “Les Demoiselles d’Avignon” a Dor de la Souchère, em Antibes.

As primeiras explorações cubistas de Picasso tinham o objectivo de descobrir outros aspectos da obra de El Greco: análise estrutural das suas composições, refração multifacetada das formas, interligação entre formas e espaço e efeitos especiais nos realces. Muitos aspectos do cubismo, tais como as distorções e a renderização materialista do tempo, têm suas analogias na obra de El Greco. Segundo Picasso, a estrutura de El Greco é cubista. Em 22 de fevereiro de 1950, Picasso iniciou a sua série de “paráfrases” de obras de outros pintores com The Portrait of a Painter after El Greco. Foundoulaki afirma que Picasso completou o processo de ativação dos valores da pintura de El Greco, que tinham começado com Manet e continuado com Cézanne.

Os expressionistas focalizaram-se nas distorções expressivas de El Greco. Franz Marc, um dos principais pintores do movimento expressionista alemão, declarou: “Referimo-nos com prazer e perseverança ao caso de El Greco, porque a glória deste pintor está intimamente ligada à evolução das nossas perspectivas de arte”. Jackson Pollock, grande referência no movimento expressionista abstrato, também foi influenciado por El Greco. Por volta de 1943, Pollock tinha concluído 60 composições desenhadas com base em El Greco e possuía três livros sobre o mestre cretense.

Retrato de Jorge Manuel Theotocopoulos (1600–1605, óleo, 81 × 56 cm, Museu Provincial de Bellas Artes, Sevilha)

Os pintores contemporâneos são também inspirados pela obra de El Greco. Kysa Johnson usou obras de El Greco como quadro compositivo para alguns de seus trabalhos, e a distorção anatómica do mestre é, de certo modo, refletida nos retratos de Fritz Chesnut.

A personalidade e obra de El Greco serviram de fonte de inspiração ao poeta Rainer Maria Rilke. Uma parte de seus poemas (Himmelfahrt Mariae I.II., 1913) foi diretamente baseada em Immaculate Conception, de El Greco. O escritor grego Nikos Kazantzakis, que sentia uma forte afinidade espiritual por El Greco, chamou a sua autobiografia de Relatório de Greco e escreveu um tributo ao mestre.

Em 1998, o compositor eletrônico e artista grego Vangelis lançou El Greco, uma sinfonia inspirada no artista. Este álbum é uma extensão do anterior, de Vangelis, Foros Timis Ston Greco (“Um Tributo a El Greco“). A vida do mestre é também tema de um filme, dirigido por Yannis Smaragdis, que se iniciou em outubro de 2006, na ilha de Creta, e estreou-se no cinema um ano depois; o ator britânico Nick Ashdon foi escolhido para representar o papel de El Greco.

Autoria controversa

O tríptico de Módena (1568, painel em têmpera, 37 × 23,8 cm (central), 24 × 18 cm, Galeria Estense, Módena) pequena composição atribuída a El Greco.

O número exacto das obras de El Greco é uma questão controversa. Em 1937, um estudo fortemente influente, pelo historiador de arte Rodolfo Pallucchini, fez com que houvesse um número muito maior de obras aceitas como sendo de El Greco. Pallucchini atribuiu a El Greco um tríptico na Galeria Estense, em Módena (ver imagem), com base numa assinatura, na parte de trás do painel central do tríptico (“Χείρ Δομήνιχου”, criado pela mão de Doménikos). Houve consenso quanto a que o tríptico era de fato uma das primeiras obras de El Greco e, portanto, a publicação de Palluchini tornou-se a bitola para as atribuições das obras ao artista. No entanto, Wethey negou que o tríptico de Módena tinha alguma relação ao artista e, em 1962, publicou um catálogo raisonné, em reação, com uma reduzidíssima lista de obras. Considerando que José Camón Aznar, historiador de arte, atribuiu entre 787 e 829 quadros ao mestre cretense, Wethey reduziu esse número para apenas 285 obras autênticas e Halldor Sœhner, pesquisador de arte espanhola, reconheceu apenas 137. Wethey e outros estudiosos rejeitaram a noção de que Creta tivesse algum crédito na sua formação e sustentou a eliminação de várias séries da obra de El Greco.

«Δομήνικος Θεοτοκόπουλος(Doménicos Theotocópoulos) ἐποία». As palavras de El Greco ao assinar seus quadros. El Greco adicionava ao seu nome a palavra “epoia” (ἐποία, “ele fê-lo”). Em A Assunção o pintor usou a palavra “deixas” (δείξας, “ele é exibido”) em vez de “epoia“.

Desde 1962 a descoberta de Dormition e a extensa pesquisa arquivada gradualmente convenceram os estudiosos de que as afirmações de Wethey não eram totalmente corretas, e que o seu catálogo pode ter distorcido a percepção da inteira natureza das origens, desenvolvimento e obra de El Greco. A descoberta de Dormition conduziu à atribuição de três outras obras assinadas “Doménicos” para El Greco (Tríptico de Modena, St. Luke Painting the Virgin and Child, e A Adoração dos Magos) e daí à aceitação de mais obras, como autênticas – algumas assinadas, outras não (tais como Paixão de Cristo (Pietà com Anjos) pintada em 1566), – que foram trazidas para o grupo das primeiras obras de El Greco. El Greco é agora encarado como um artista com treino e formação cretenses; uma série de obras iluminaram o estilo inicial de El Greco, algumas pintadas enquanto ele ainda se encontrava em Creta, algumas da sua época de Veneza, e algumas de quando ele estava em Roma. Até Wethey afirmou que “ele [El Greco] provavelmente pintou o disputado tríptico da Galeria Estense antes de deixar Creta”. No entanto, controvérsias sobre o número exato de obras autênticas de El Greco continuam por encontrar um desfecho, e o status do catálogo de Wethey está no centro desses desentendimentos.

Galeria

  1. Existe uma disputa sem conclusão acerca do local exato do nascimento de El Greco. A maioria dos pesquisadores e estudiosos aponta Candia como o local correto. No entanto, de acordo com Achileus A. Kyrou, um proeminente jornalista grego do século XX, o pintor teria nascido em Fodele, e as ruínas da casa de sua família ainda existem no lugar onde era a antiga Fodele (a aldeia mudou de lugar, em razão do ataque de piratas). A reivindicação de Candia baseia-se em documentos de 1606, quando o pintor tinha 65 anos. Os naturais de Fodele retrucam que o pintor declarou na Espanha ser de Heraclião porque aquela era a cidade maior e mais conhecida próxima da minúscula Fodele.
  2. Theotocópoulos adquiriu o nome “El Greco” na Itália, onde é costume identificar a pessoa pelo país ou cidade de origem. A curiosa forma de ser precedido pelo artigo (El) tanto pode ter se originado no dialeto veneziano quanto no castelhano, embora no espanhol seu apelido devesse ser “El Griego“. O mestre cretense era geralmente conhecido na Itália e na Espanha com o nome de Dominico Greco, sendo a forma El Greco utilizada apenas após sua morte.
  3. De acordo com seus contemporâneos, El Greco adquiriu este apelido não apenas por conta de seu local de origem, mas pela sublimidade de sua arte: “Foi por grande estima e celebração que ele era chamado o Grego (il Greco)” (comentário de Giulio Cesare Mancini sobre El Greco em suas “Crônicas“, escritas poucos anos após a morte do pintor).
  4. Este documento pertencia aos arquivos notariais de Candia e foi publicado em 1962 Menegos é a forma dialetal veneziana para Doménicos, e Sgourafos (σγουράφος=ζωγράφος) é o termo grego para pintor…
  5. De acordo com pesquisas em arquivos feitas nos anos 1990, El Greco encontrava-se em Candia na idade de vinte e seis anos. É desta época alguns de seus trabalhos mais admirados, criados no espírito dos pintores pós-bizantinos da Escola cretense. Em 26 de dezembro de 1566, El Greco buscou permissão das autoridades venezianas para vender um “painel da Paixão de Cristo executado em um “fundo dourado” (“del de Passione Nostro Signor Giesu o Christo, dorato”) em leilão. O ícone bizantino pelo jovem Doménicos que descreve a Paixão de Cristo, pintado sobre um fundo de ouro, foi avaliado e vendido em 27 de dezembro de 1566 em Candia pelo preço de setenta ducados de ouro (o painel foi avaliado por dois artistas, sendo um deles o renomado pintor de ícones, Georgios Klontzas. Um estimou-lhe em oitenta ducados, e o outro por setenta) – um valor equivalente aos trabalhos deste período feitos por Ticiano ou Tintoretto. Com base nisso, parece que a viagem de El Greco para Veneza deu-se somente após essa data. Em um dos seus últimos artigos, Wethey reavaliou suas estimativas anteriores e admitiu que o pintor deixara Creta em 1567. De acordo com outra matéria de arquivo – desenhos de El Greco enviados a um cartógrafo cretense – ele estava em Veneza antes das 1568.
  6. Mancini declara que El Greco dissera ao Papa que se todo o trabalho fosse demolido, faria ele mesmo algo de forma decente e com harmonia.
  7. Toledo devia ser uma das maiores cidades da Europa, durante aquela época. Em 1571 sua população era de 62 000 habitantes.
  8. El Greco assinou o contrato para a decoração do altar-mor da capela do Hospital da Caridade em 18 de junho de 1603. Ele concordou em concluir o trabalho até agosto do ano seguinte. Embora raramente fossem definidos tais prazos de conclusão, este era um termo de potencial conflito. Ele também concordou em permitir que a própria irmandade escolhesse os avaliadores. Os membros da irmandade tiraram proveito deste ato de boa-fé, e não desejaram que se chegasse a uma avaliação justa. Finalmente, El Greco assinou sua representação legal ao Preboste e a um seu amigo, Francisco Ximénez Montero, e aceitou o pagamento de 2.093 ducados.
  9. Doña Jerónima de Las Cuevas parece haver sobrevivido a El Greco e, embora o mestre tenha reconhecido ambos os filhos com ela, nunca se casaram. Este fato confundiu os pesquisadores, porque ele a menciona em vários documentos, até incluindo-a em seu testamento. A maioria dos historiadores concorda que o pintor tivera uma união infeliz em sua juventude, o que lhe impediu de contrair novas núpcias.
  10. O mito da loucura de El Greco possui duas versões. Na primeira, Gautier acreditava que o pintor era agressivo por conta de sua excessiva sensibilidade artística. Por outro lado, o público e os críticos não possuíam os critérios ideológicos de Gautier e mantiveram a ideia de El Greco como um “pintor maluco” e, então, suas pinturas mais “loucas” não eram admiradas e sim consideradas como documentos históricos que provavam a sua “loucura”.
  11. Esta teoria gozou de surpreendente popularidade durante os primeiros anos do século XX em oposição ao psicólogo alemão David Kuntz. Se teve ou não o pintor astigmatismo progressivo é uma questão em aberto. Stuart Anstis, Professor at the Universidade da Califórnia (Departamento de Psicologia), conclui que “ainda mesmo se El Greco fosse astigmático, ele teria se adaptado a isto, e suas figuras, retiradas da sua memória ou vida, teriam proporções normais. Seus alongamentos era uma expressão artística, não um sintoma visual.” De acordo com o professor de espanhol John Armstrong Crow o “astigmatismo jamais seria capaz de dar qualidade a uma pintura, nem talento para um tolo.”

Fonte – Wikipédia.

 

Egon Schiele

Schiele – 12 de junho de 1890 – 31 de outubro de 1918) foi um pintor austríaco . Protegido de Gustav Klimt . Schiele foi um grande pintor figurativo do início do século XX. Seu trabalho é conhecido por sua intensidade e sua sexualidade crua, e os muitos auto-retratos que o artista produziu, incluindo autorretratos nus. As formas do corpo retorcido e a linha expressiva que caracterizam as pinturas e desenhos de Schiele marcam o artista como um dos primeiros expoentes do expressionismo .

Vida cedo 

Schiele com 16 anos, auto-retrato de 1906

Schiele nasceu em 1890 em Tulln , na Baixa Áustria . Seu pai, Adolf Schiele, o chefe da estação de Tulln na ferrovia estatal austríaca , nasceu em 1851 em Viena , filho de Karl Ludwig Schiele, alemão de Ballenstedt e Aloisia Schimak; A mãe de Egon Schiele, Marie, née Soukup, nasceu em 1861 em Český Krumlov (Krumau), filho de Johann Franz Soukup, checo de Mirkovice e Aloisia Poferl, mãe boêmia alemã de Český Krumlov. Quando criança, Schiele era fascinado por trens e passava muitas horas desenhando-os, a ponto de seu pai se sentir obrigado a destruir seus cadernos de esboços. Quando ele tinha 11 anos de idade, Schiele mudou-se para a cidade vizinha de Krems (e mais tarde para Klosterneuburg ) para frequentar a escola secundária. Para aqueles ao seu redor, Schiele era considerado uma criança estranha. Tímido e reservado, ele se saiu mal na escola, exceto no atletismo e no desenho, e geralmente era em classes formadas por alunos mais jovens. Ele também mostrou tendências incestuosas para sua irmã mais nova Gertrude (que era conhecida como Gertie seu pai, bem ciente do comportamento de Egon, foi forçado a derrubar a porta de uma sala trancada em que Egon e Gerti estavam, para ver o que estavam fazendo (apenas para descobrir que estavam desenvolvendo um filme). Quando ele tinha dezesseis anos, ele levou Gerti, de doze anos, de trem para Trieste, sem permissão, e passou uma noite em um quarto de hotel com ela. 

Academia de Belas Artes 

Quando Schiele tinha 15 anos de idade, seu pai morreu de sífilis , e ele se tornou uma custódia de seu tio materno, Leopold Czihaczek, também funcionário da ferrovia. Embora ele quisesse que Schiele seguisse seus passos, e estivesse aflito com sua falta de interesse na academia, ele reconheceu o talento de Schiele para desenhar e sem entusiasmo permitiu-lhe um tutor; o artista Ludwig Karl Strauch. Em 1906, Schiele se candidatou na Kunstgewerbeschule (Escola de Artes e Ofícios) em Viena , onde certa vez Gustav Klimt havia estudado. Em seu primeiro ano lá, Schiele foi enviado, por insistência de vários membros do corpo docente, para a mais tradicional Akademie der Bildenden Künste em Viena, em 1906. Seu principal professor na academia era Christian Griepenkerl , um pintor cuja doutrina rígida e estilo ultraconservador frustrava e descontentava tanto Schiele e seus colegas que saiu três anos depois.

Klimt e primeiras exposições 

Retrato de Arthur Rössler , 1910

Em 1907, Schiele procurou Gustav Klimt, que generosamente orientou artistas mais jovens. Klimt teve um interesse particular no jovem Schiele, comprando seus desenhos, oferecendo-se para trocá-los por alguns dos seus, organizando modelos para ele e apresentando-o a clientes em potencial. Ele também apresentou Schiele à Wiener Werkstätte , a oficina de artes e ofícios conectada com a Secessão . As primeiras obras de Schiele entre 1907 e 1909 contêm fortes semelhanças com as de Klimt,  bem como influências da Art Nouveau. Em 1908, Schiele teve sua primeira exposição, em Klosterneuburg. Schiele deixou a Academia em 1909, depois de completar seu terceiro ano, e fundou a Neukunstgruppe (“New Art Group”) com outros alunos insatisfeitos. Em seus primeiros anos, Schiele foi fortemente influenciado por Klimt e Kokoschka. Embora as imitações de seus estilos, particularmente as primeiras, sejam muito visíveis nos primeiros trabalhos de Schiele, ele logo desenvolveu seu próprio estilo distinto.

Retrato de Anton Peschka – 1909

Sala de estar em Neulengbach , 1911

Klimt convidou Schiele para expor alguns de seus trabalhos no Kunstschau de Viena de 1909 , onde ele encontrou os trabalhos de Edvard Munch , Jan Toorop e Vincent van Gogh, entre outros. Uma vez livre das restrições das convenções da Academia, Schiele começou a explorar não apenas a forma humana, mas também a sexualidade humana. O trabalho de Schiele já era ousado, mas foi mais ousado com a inclusão do erotismo decorativo de Klimt e com o que alguns podem gostar de chamar de distorções figurativas, que incluíam alongamentos, deformidades e abertura sexual. Os auto-retratos de Schiele ajudaram a restabelecer a energia de ambos os gêneros com seu nível único de honestidade emocional e sexual e o uso de distorção figurativa no lugar dos ideais convencionais de beleza. Ele também pintou tributos a Van Gogh ‘Girassóis’ , bem como paisagens e naturezas-mortas. 

Em 1910, Schiele começou a experimentar com nus e dentro de um ano um estilo definitivo com figuras emaciadas, de cor doentia, muitas vezes com fortes implicações sexuais. Schiele também começou a pintar e desenhar crianças. Egon Schiele’s Kneeling Nude with Raised Hands (1910) é considerado uma das peças de arte nude mais significativas feitas durante o século XX. A abordagem radical e desenvolvida de Schiele em relação à forma humana nua desafiava tanto os estudiosos quanto os progressistas. Esta peça e estilo não convencionais foi contra a academia estrita e criou um alvoroço sexual com suas linhas contorcidas e exibição pesada de expressão figurativa. Na época, muitos acharam a explicitação de suas obras perturbadora.

Fotografia de Egon Schiele, 1914

Desde então, Schiele participou em numerosas exposições coletivas, incluindo as do Neukunstgruppe em Praga em 1910 e Budapeste em 1912; o Sonderbund , Colônia , em 1912; e vários shows secessionistas em Munique , a partir de 1911. Em 1911, Schiele conheceu Walburga (Wally) Neuzil, de dezessete anos, que morou com ele em Viena e serviu de modelo para algumas de suas pinturas mais marcantes. Muito pouco se sabe dela, exceto que ela já havia modelado para Gustav Klimt e poderia ter sido uma de suas amantes. Schiele e Wally queriam escapar do que eles viam como o ambiente claustrofóbico vienense, e foram para a pequena cidade de Český Krumlov (Krumau) no sul da Bohemia . Krumau era o berço da mãe de Schiele; hoje é o local de um museu dedicado a Schiele. Apesar das conexões familiares de Schiele em Krumau, ele e sua amante foram expulsos da cidade pelos moradores, que desaprovavam fortemente seu estilo de vida , incluindo seu suposto emprego das adolescentes da cidade como modelos. Progressivamente, o trabalho de Schiele tornou-se mais complexo e temático, e ele eventualmente começou a lidar com temas como morte e renascimento. 

Neulengbach e prisão

O desenho de Schiele de sua cela em Neulengbach

Juntos, eles se mudaram para Neulengbach , a 35 km a oeste de Viena, em busca de um ambiente inspirador e um estúdio barato para trabalhar. Como era na capital, o estúdio de Schiele tornou-se um local de encontro para os filhos delinqüentes de Neulengbach. O modo de vida de Schiele despertou muita animosidade entre os habitantes da cidade e, em abril de 1912, foi preso por seduzir uma jovem abaixo da idade de consentimento.

Quando a polícia chegou ao seu estúdio para prendê-lo, apreenderam mais de cem desenhos que consideravam pornográficos. Schiele foi preso enquanto aguardava seu julgamento. Quando seu caso foi levado perante um juiz, as acusações de sedução e sequestro foram retiradas, mas o artista foi considerado culpado de exibir desenhos eróticos em um lugar acessível às crianças. No tribunal, o juiz queimou um dos desenhos ofensivos sobre uma chama de vela. Os vinte e um dias que ele já havia passado sob custódia foram levados em conta e ele foi condenado a mais três dias de prisão. Enquanto estava na prisão, Schiele criou uma série de 12 pinturas descrevendo as dificuldades e o desconforto de ser trancado em uma cela de prisão.

Auto-retrato

Em 1913, a Galerie Hans Goltz , Munique, montou a primeira exposição individual de Schiele. Uma exposição individual de seu trabalho aconteceu em Paris em 1914. 

Edith Schiele 1915

Em 1914, Schiele vislumbrou as irmãs Edith e Adéle Harms, que moravam com os pais do outro lado da rua de seu ateliê no distrito vienense de Hietzing, 101 Hietzinger Hauptstraße. Eles eram uma família de classe média e protestantes pela fé; seu pai era um mestre serralheiro . Em 1915, Schiele escolheu se casar com Edith, mais socialmente aceitável, mas aparentemente esperava manter um relacionamento com Wally. No entanto, quando ele explicou a situação para Wally, ela o deixou imediatamente e nunca mais o viu. Esse abandono levou-o a pintar Death and the Maiden , onde o retrato de Wally é baseado em um par anterior, mas o de Schiele é recém-atacado. (Em fevereiro de 1915, Schiele escreveu uma nota para seu amigo Arthur Roessler afirmando: “Eu pretendo me casar, vantajosamente. Não para Wally.”) Apesar de alguma oposição da família Harms, Schiele e Edith se casaram em 17 de junho de 1915, o aniversário do casamento dos pais de Schiele.

Primeira Guerra Mundial à morte 

Fotografia de Egon Schiele, década de 1910

Embora Schiele tenha evitado o recrutamento por quase um ano, a Primeira Guerra Mundial começou a moldar sua vida e seu trabalho. Três dias depois de seu casamento, Schiele recebeu ordens de prestar serviço ativo no exército, onde inicialmente estava estacionado em Praga. Edith veio com ele e ficou em um hotel na cidade, enquanto Egon morava em uma sala de exposições com seus colegas recrutas. Eles foram autorizados pelo oficial de comando de Schiele a se ver ocasionalmente.

Durante a guerra, as pinturas de Schiele ficaram maiores e mais detalhadas. Seu serviço militar, no entanto, deu-lhe tempo limitado, e grande parte de sua produção consistia em desenhos lineares de cenários e oficiais militares. Por volta dessa época, Schiele também começou a experimentar os temas da maternidade e da família.  Sua esposa Edith foi o modelo para a maioria de suas figuras femininas, mas durante a guerra (devido às circunstâncias) muitos de seus assistentes eram do sexo masculino. Desde 1915, os nus femininos de Schiele tornaram-se mais completos na figura, mas muitos foram deliberadamente ilustrados com uma aparência de boneca sem vida.

Apesar de seu serviço militar, Schiele ainda estava expondo em Berlim. Ele também teve shows de sucesso em Zurique , Praga e Dresden . Seus primeiros deveres consistiam em vigiar e escoltar prisioneiros russos. Por causa de seu coração fraco e sua excelente caligrafia, Schiele acabou tendo um emprego como balconista em um campo de prisioneiros de guerra perto da cidade de Mühling. Lá, ele foi autorizado a desenhar e pintar oficiais russos presos; seu comandante, Karl Moser (que supôs que Schiele era pintor e decorador quando o conheceu pela primeira vez), até lhe deu uma sala de loja desativada para usar como estúdio. Como Schiele estava encarregado das lojas de alimentos no campo, ele e Edith podiam desfrutar de comida além das rações. 

Em 1917, ele estava de volta a Viena e pôde se concentrar em sua carreira artística. Sua produção foi prolífica, e seu trabalho refletiu a maturidade de um artista em pleno domínio de seus talentos. Ele foi convidado a participar da 49ª exposição da Secession, realizada em Viena em 1918. Schiele teve cinquenta trabalhos aceitos para esta exposição, e eles foram exibidos no salão principal. Ele também projetou um pôster para a exposição; era uma reminiscência da Última Ceia , com um retrato de si mesmo no lugar de Cristo. O show foi um sucesso triunfante. Como resultado, os preços dos desenhos de Schiele aumentaram e ele recebeu muitas encomendas de retratos.

No outono de 1918, a pandemia de gripe espanhola que custou mais de 20 milhões de vidas na Europa chegou a Viena. Edith, que estava grávida de seis meses, sucumbiu à doença em 28 de outubro. Schiele morreu apenas três dias depois de sua esposa. Ele tinha 28 anos. Durante os três dias entre suas mortes, Schiele desenhou alguns esboços de Edith. 

Estilo 

Alguns críticos, como Jane Kallir , comentaram que o trabalho de Schiele é grotesco, erótico, pornográfico ou perturbador, focalizando o sexo, a morte e a descoberta. Ele se concentrou nos retratos dos outros e de si mesmo. Em seus últimos anos, enquanto ele ainda trabalhava frequentemente com nus, eles eram feitos de uma maneira mais realista. 

Legado 

Max Oppenheimer – 1910

Schiele foi o tema do filme biográfico Excess and Punishment ( Egon Schiele – Exzess und Bestrafung ), um filme de 1980 originado na Alemanha com um elenco europeu que explora os demônios artísticos de Schiele que levaram à sua morte prematura. O filme foi dirigido por Herbert Vesely e estrelado por Mathieu Carrière como Schiele, Jane Birkin como sua musa artística inicial Wally Neuzil, Christine Kaufman como sua esposa, Edith Harms e Kristina Van Eyck como suas irmãs, Adele Harms. Também em 1980, o Arts Council of Great Britain produziu um documentário, Schiele in Prison , que analisou as circunstâncias da prisão de Schiele e a veracidade de seu diário. Em 2016, outro filme biográfico foi lançado, Egon Schiele: Morte e a Donzela (em alemão: Egon Schiele: Tod und Mädchen ).

O romance de 1990 de Joanna Scott , Arrogância, foi baseado na vida de Schiele e faz dele a figura principal. Sua vida também foi retratada em uma produção de dança teatral de Stephan Mazurek, chamada Egon Schiele , apresentada em maio de 1995, pela qual Rachel , um grupo pós-rock americano, compôs uma partitura intitulada Music for Egon Schiele . Para a companhia de dança contemporânea The Featherstonehaughs , Lea Anderson coreografou The Featherstonehaughs Draw On The Sketchbooks de Egon Schiele em 1997. 

A vida e obra de Schiele também foram tema de ensaios, incluindo uma discussão de suas obras pelo fotógrafo de moda Richard Avedon em um ensaio sobre retratos intitulado “Cães de Empréstimo”.  Mario Vargas Llosa usa o trabalho de Schiele como um canal para seduzir e explorar moralmente um personagem principal em seu romance de 1997, The Notebooks of Don Rigoberto . O filme de Wes Anderson , The Grand Budapest Hotel, apresenta uma pintura de Rich Pellegrino que é inspirada no estilo de Schiele que, como parte de um roubo, substitui a chamada obra de arte flamenga / renascentista , mas é destruída pelo proprietário irritado. quando ele descobre o engano. 

Julia Jordan baseou sua peça de 1999, Tatjana in Color , que foi produzida fora da Broadway no The Culture Project durante o outono de 2003, em uma ficcionalização da relação entre Shiele e Tatjana von Mossig de 12 anos, a garota de Neulengbach cuja moral ele foi finalmente condenado por corromper por permitir que ela visse suas pinturas. Os capítulos de abertura do romance de 2017 de Guy Mankowski , “Um Honesto Engano”, foram fortemente influenciados pelas pinturas de Schiele; em particular, seus retratos de sua irmã, Gertrude. 

Coleções de arte 

O Museu Leopold , em Viena , abriga talvez a mais importante e completa coleção de obras de Schiele, com mais de 200 exposições. O museu vendeu uma delas, Houses With Colourful Laundry (Subúrbio II) , por US $ 40,1 milhões na Sotheby’s em 2011. Outras coleções notáveis ​​da arte de Schiele incluem o Egon Schiele-Museum, Tulln , a Österreichische Galerie Belvedere e a Albertina. Coleção Gráfica , ambos em Viena.

Histórico do leilão 

Retrato de Wally , 1912

Retrato de Wally , um retrato de 1912, foi comprado por Rudolf Leopold em 1954 e tornou-se parte da coleção do Museu Leopold quando foi estabelecido pelo governo austríaco, comprando mais de 5.000 peças que Leopold possuía. Depois de 1997-1998 exposição da obra de Schiele no Museu de Arte Moderna em Nova York , a pintura foi apreendida por ordem do County District Attorney New York  e que tinha sido amarrado em litígio pelos herdeiros de seu antigo proprietário, que afirmam que a pintura era pilhagem nazista e deveria ser devolvida a eles. 

A disputa foi resolvida em 20 de julho de 2010 e a imagem posteriormente comprada pelo Leopold Museum por US $ 19 milhões. Em 2013, o museu vendeu três desenhos de Schiele por 14 milhões de libras na Sotheby’s de Londres, a fim de acertar a reivindicação de restituição sobre sua pintura de Schiele em 1914, Houses by the Sea . O mais caro, Liebespaar (Selbstdarstellung mit Wally) (1914/15), ou Dois amantes (Self Portrait With Wally) , elevou o recorde mundial de leilão de um trabalho em papel do artista para £ 7,88 milhões. 

Em 21 de junho de 2013, a Auctionata de Berlim vendeu uma aquarela de 1916, Reclining Woman, em um leilão on – line por € 1,827 bilhão (US $ 2,418 milhões). Este é um recorde mundial para a obra de arte mais cara já vendida em um leilão online. 

Auto-retratos 

  • Auto-retrato , 1910

  • Auto-retrato fazendo careta , 1910

  • Auto-retrato com panela de barro preto , 1911

  • Auto-retrato com a cabeça baixa , 1912

  • Eu suportarei a arte e a felicidade do meu amado . Auto-retrato de Schiele na cadeia, 1912

  • Amantes – Auto-retrato com Wally , c. 1914 – 1915

  • Auto-retrato , 1914

  • Auto-retrato , 1915

Trabalhos figurativos 

  • Garota com cabelo preto – 1910

  • Nu reclinado , 1910

  • Nude com ligas vermelhas , 1911

  • Reclinável Semi-nu 1911

  • Walburga Neuzil em meias pretas , 1913

  • Amizade , 1913

  • Nua feminina sentada com os cotovelos apoiados , 1914

  • Frederike Beer , 1914

  • Garota loira em meias verdes , 1914

Edgar Degas.

Edgar Degas (1834-1917) foi um pintor impressionista francês, consagrado por suas pinturas femininas, sobretudo pela série das bailarinas e também pelo efeito de movimento retratado em suas obras.

Edgar Degas, nome artístico de Hilaire-Germain-Edgar de Gas, nasceu em Paris, França, no dia 19 de julho de 1834. Filho e neto de banqueiros, Degas ficou órfão de mãe com 13 anos de idade. Revelou uma inclinação precoce para as artes plásticas. Ainda menino acompanhava o pai aos salões do Louvre e visitava as coleções particulares de pintura da classe alta parisiense. Em 1845 foi matriculado no Liceu Louis-le-Grand, onde completou o colegial. Dedicado ao desenho e à pintura abriu um estúdio na residência da família.

Apesar do gosto pelas artes, em 1852, ingressou no curso de Direito, seguindo a tradição das famílias burguesas, mas dois anos depois, com permissão do seu pai, abandonou o curso para se dedicar exclusivamente à pintura. Frequentou o ateliê de Felix Joseph Barrias. Estudou com Louis Lamothe, discípulo de Ingres, e em 1855 conheceu pessoalmente o pintor Jean Auguste Ingres, que o aconselhou a explorar as linhas em suas telas.

Edgar Degas realizou três viagens à Itália, se empenhando no estudo do Renascimento italiano, quando esteve em Roma, Nápoles, Assis e Florença, onde ele visitou seus tios e primos, os Bellelli, em 1858, ano em que iniciou a tela “A Família Bellelli”, onde retratou suas primas, sua tia Laura e seu tio Genaro. A obra só foi concluída em 1867.

Edgar Degas
A Família Bellelli (1867)

Em 1862, Degas retornou à Paris, ano em que conheceu Édouard Manet que o aproximou do grupo de artistas que mais tarde seria conhecido como “Impressionistas”. Ainda na década de 60, Degas iniciou uma série de retratos, principalmente de músicos que se apresentavam na casa de seu pai. Em uma visita à casa de amigos, na Normandia, começou a se interessar pela pintura de cavalos e passava horas no hipódromo de Longchamp.

Em 1870, quando a França entrou em guerra com a Prússia, Degas alistou-se na Guarda Nacional. Nessa época seus problemas de visão se agravaram, o que o atormentou pelo resto da vida. De volta à Paris, em 1872, passou a frequentar as apresentações do balé da Ópera de Paris, inclusive os ensaios, época em que iniciou a pintura da série de bailarinas. Interessado, sobretudo, pelo traço e pelo sentido de movimento, suas imagens são sempre cortadas nas bordas dos quadros, como se fosse uma foto mal enquadrada.

Edgar Degas
Aula de Dança (1874)

Em 1874 seu pai falece e Degas assume as dívidas deixadas pelo banco. Nesse mesmo ano, participa da exposição dos Impressionistas, que embora não tivessem metas declaradas ou manifesto, suas obras compartilhavam algumas técnicas e certos temas, que rejeitadas pelo Salão oficial e precisando de sucesso comercial, realizam sua primeira exposição. Degas, diferente dos outros artistas, não era adepto da pintura ao ar livre, preferia produzir no estúdio. Entre os 39 expositores estavam Monet, Renoir, Paul Cézanne e Camille Pissarro. Degas participou de sete das oito exposições do grupo.

Edgar Degas era um homem tímido o que dificultava sua vida social. Com uma língua ferina recebeu o apelido de urso, animal cuja aproximação era perigosa. Em seu estúdio, mesmo em desordem, poucos tinham permissão para entrar, além dos modelos e marchands. Na década de 80, com a visão bastante comprometida, sua pintura passou a ter menos detalhes e trabalhava mais com o tom pastel. Em 1881 expôs sua primeira escultura, representando uma pequena bailarina. Produziu uma série de 73 bailarinas em bronze. Produziu também os 10 famosos pastéis da série de nus femininos, que foram expostos o 8.º Salão dos Independentes em 1886.

Em 1912, quase cego e com a saúde debilitada, viu seu estúdio, que ocupou durante 23 anos, ser expropriado. Apesar de suas telas terem atingido altos preços em um leilão, Degas se ressentia pela falta de dinheiro. Depressivo, passou seus últimos dias na solidão, ou na companhia de poucos amigos.

Edgar Degas faleceu em Paris, França, no dia 27 de setembro de 1917.

Por Dilva Frazão.

Dante Gabriel Rossetti.

Dante Gabriel Rossetti (Londres, 12 de maio de 1828 — Birchington-on-Sea, 10 de abril de 1882), originalmente Gabriel Charles Dante Rossetti, foi um poeta, ilustrador e pintor inglês de origem italiana. Devido à sua preferência pela poesia medieval e em especial pela obra de Dante, Rossetti muda a ordem dos seus nomes e passa a usar Dante em primeiro lugar.

Fundou, juntamente com John Everett Millais e William Holman Hunt, em 1848, a Irmandade Pré-Rafaelita, um grupo artístico entre o espírito revivalista do romantismo e as novas vanguardas do século XX.

Rossetti também escrevia poemas para seus quadros, como “Astarte Syraica”. Como designer, trabalhou com William Morris para produzir imagens para vitrais e decorações.

Como ilustrador, Rossetti produziu poucos trabalhos, mas que tiveram influência duradoura sobre ilustradores do século XIX e XX. Fez ilustrações para Moxon Tennyson, Allingham e para os livros de poesia de sua irmã Christina Rossetti.

Monna Rosa

Esta é uma parte do artigo da Wikipedia usado sob licença CC-BY-SA. O texto completo do artigo está aqui →

https://pt.wikipedia.org/wiki/Dante_Gabriel_Rossetti 
Dante Gabriel Rossetti
Dante Gabriel Rossetti 001.jpg
Lewis Carroll. Retrato de Dante Gabriel Rossetti. .

 
Descrição pintor, portraitist , poeta e

tradutor britânico
Family relationships son of Gabriele Rossetti
Family relationships brother of William Michael Rossetti,Christina Rossetti
Data de nascimento
Local de nascimento Londres
Data da morte
Local da morte Birchington-on-Sea

Portraits

  • Auto-retrato
    . Lápis e branc giz sobre papel. 20,7 × 16,8 cm. Londres, National Portrait Gallery.

  • W. H. Hunt. Portrait of Dante Gabriel Rossetti at 22 years of Age
    entre 1882 e 1883 . Óleo sobre madeira. 30,2 × 22,9 cm. Birmingham Museum and Art Gallery.
  • G. F. Watts. Retrato de Dante Gabriel Rossetti
    cerca de 1871 . Óleo sobre tela. 66,1 × 53,5 cm. Londres, National Portrait Gallery.

  • Frederic Shields. The Dead Rossetti
    . Coloridchalks sobre papel. 13,2 × 11 pol (33,6 × 27,9 cm). Wilmington, Delaware Art Museum.

Trabalho

  • The Girlhood of Mary Virgin
    entre 1848 e 1849 . Óleo sobre tela. 83,2 × 65,4 cm. Londres, Tate Britain.

  • Ecce Ancilla Domini
     (retouched in 1874). Óleo sobre tela sobre madeira. 72,4 × 41,9 cm. Londres, Tate Britain.

  • The First Anniversary of the Death of Beatrice
    . watercolour. 16,5 × 24 pol (41,9 × 60,9 cm). Oxford, Ashmolean Museum.

  • Found
    . Óleo sobre tela. 92,1 × 81,1 cm. Wilmington, Delaware Art Museum.
  • Dante’s Vision of Rachel and Leah
    . Aquarela sobre papel. 35,2 × 31,4 cm. Londres, Tate Britain.
  • The Tune of Seven Towers
    . Aquarela sobre papel. 31,4 × 36,5 cm. Londres, Tate Britain.
  • The Wedding of Saint George and Princess Sabra
    . Aquarela sobre papel. 34,3 × 29,7 cm. Londres, Tate Britain.
  • A Christmas Carol
    entre 1857 e 1858 . Aquarela sobre papel. 36,5 × 36,5 cm. Cambridge, Massachusetts, Fogg Art Museum, Harvard University.
  • Chapel Before the Lists
    entre 1857 e 1864 . Aquarela sobre papel. 40 × 41,9 cm. Londres, Tate Britain.
  • Sir Galahad at the ruined Chapel
    . Aquarela sobre papel. 34,5 × 29 cm. Birmingham Museum and Art Gallery.
  • Regina Cordium
    . Óleo sobre madeira. 10 × 8 pol (25,4 × 20,3 cm). Johannesburg Art Gallery.

  • How They Met Themselves
    cerca de 1860-1864. body colour sobre papel sobre linen . 33,9 × 27,3 cm. Cambridge, Fitzwilliam Museum.

  • Aurelia (Fazio’s Mistress)
     (retouched in 1873). Óleo sobre mahogany . 43,2 × 36,8 cm. Londres, Tate Britain.

  • The Wedding of St. George
    . Aquarela e guache sobre papel. 28,5 × 35,3 cm. Sydney, Art Gallery of New South Wales.

  • How Sir Galahad, Sir Bors and Sir Percival Were Fed with the Sanct Grael; but Sir Percival’s Sister Died by the Way
    . Aquarela e guachesobre papel. 11,5 × 16,5 pol (29,2 × 41,9 cm). Londres, Tate Britain.

  • The First Madness of Ophelia
    . Aquarela sobre papel. 15,5 × 11,5 pol (39,3 × 29,2 cm). Oldham Art Gallery and Museum.
  • Beata Beatrix
    entre 1864 e 1870 . Óleo sobre tela. 86,4 × 66 cm. Londres, Tate Britain.
  • The Merciless Lady
    . watercolour ebody colour sobre papel. 31 × 31 cm. Coleção particular.
  • Hesterna Rosa
    . Aquarela sobre papel. 11 × 15,5 pol (27,9 × 39,3 cm). Wilmington, Delaware Art Museum.
  • The Beloved
    entre 1865 e 1866 . Óleo sobre tela. 82,5 × 76,2 cm. Londres, Tate Britain.
  • Monna Vanna
    . Óleo sobre tela. 88,9 × 86,4 cm. Londres, Tate Britain.

  • Hamlet and Ophelia
    . watercolour e gum arabic sobre papel. 15 × 11 pol (38,1 × 27,9 cm). Oxford, Ashmolean Museum.

  • Lady Lilith
    entre 1866 e 1868 . Óleo sobre tela. 97,8 × 85,1 cm. Wilmington, Delaware Art Museum.
  • A Christmas Carol
    . Óleo sobre madeira. 45,5 × 38 cm. Coleção particular.
  • Paolo e Francesca da Rimini
    . Aquarela sobre papel. 43,7 × 36,1 cm. Melbourne, National Gallery of Victoria.
  • The Loving Cup
    . Óleo sobre tela. 66 × 45,7 cm. Tokyo, The National Museum of Western Art.
  • The Salutation of Beatrice
    . Óleo sobre tela. 57,1 × 47 cm. Coleção particular.
  • Dante’s Dream at the Time of the Death of Beatrice
    . Óleo sobre tela. 216 × 312,4 cm. Liverpool, Walker Art Gallery.
  • The Bower Meadow
    . Óleo sobre tela. 86,3 × 68 cm. Manchester Art Gallery.
  • Veronica Veronese
    . Óleo sobre tela. 43 × 35 pol (109,2 × 88,9 cm). Wilmington, Delaware Art Museum.
  • The Damsel of the Sanct Grael
    . Óleo. 36,2 × 22,7 pol (92,0 × 57,7 cm). Andrew Lloyd Webber Collection.
  • Proserpine
    . Óleo sobre tela. 125,1 × 61 cm. Londres, Tate Britain.
  • A Sea-Spell
    entre 1875 e 1877 . Óleo sobre tela. 111,5 × 93 cm. Cambridge, Massachusetts, Fogg Art Museum, Harvard University.
  • Astarte Syriaca
    . Óleo sobre tela. 185 × 109 cm. Manchester Art Gallery.
  • La Donna della Finestra
    . Óleo sobre tela. 100,7 × 74 cm. Cambridge, Massachusetts, Fogg Art Museum, Harvard University.
  • The Day Dream
    . Óleo sobre tela. 158,7 × 92,7 cm. Londres, Victoria and Albert Museum.
  • Mnemosyne
    . Óleo sobre tela. 49,7 × 24 pol (126,3 × 60,9 cm). Wilmington, Delaware Art Museum.

Drawings

  • The First Anniversary of the Death of Beatrice
    . Caneta e marro tintasobre card . 15,7 × 12,6 pol (40,0 × 32,0 cm). Birmingham Museum and Art Gallery.

  • To caper nimbly in a Lady’s Chamber to the lascivious pleasing of a Lute
    . Caneta e tinta sobre papel. 21 × 17,2 cm. Birmingham Museum and Art Gallery.

  • Love’s Mirror or A Parable of Love
    1850/1852. Black pen and ink over pencil, with ink wash, on paper. 19,5 × 17,5 cm. Birmingham Museum and Art Gallery.

  • Maids of Elfen-Mere
    . Graphite with pen and black ink and pen and brown ink. 13 × 8,3 cm. New Haven, Connecticut, Yale Center for British Art.

  • The Queen’s Page
    . Caneta, marro tinta e sepia wash . 6 × 4,2 pol (15,2 × 10,7 cm). Coleção particular.

  • George Price Boyce with Fanny Cornforth at Rossetti’s Studio, Chatham Place
    . Caneta e tinta sobre papel. 47 × 31,1 cm. Carlisle, Inglaterra, Tullie House Museum and Art Gallery.

  • Hamlet and Ophelia
    . Caneta e pret tinta sobre papel. 30,9 × 26,1 cm. Londres, British Museum.

  • Mary Magdalene at the Door of Simon the Pharisee
    . Pen and Indian ink on paper mounted on fine linen on a stretcher. 50,8 × 45,7 cm. Cambridge, Fitzwilliam Museum.

  • Dantis Amor – Finished Study
    cerca de 1859-1860. Marro caneta, tinta e wash sobre papel. 25 × 24 cm. Birmingham Museum and Art Gallery.

  • Rossetti lamenting the death of his wombat
    . Caneta sobre papel. 17,9 × 11,3 cm. Londres, British Museum.
  • The Death of Lady Macbeth
    cerca de 1875 . Caneta e marro tinta. 12,2 × 14,2 pol (31,1 × 36,1 cm). Oxford, Ashmolean Museum.